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“最老的”与“最酷的”
——朵云06秋拍油画专场
针对逐渐升温的雕塑收藏，2006秋拍中，朵云油画专场增设了雕塑板块，集中了十余件雕塑作品，其中有不少都曾在大型美展上获奖或被中国美术馆收藏。油画部分则推出了“传统经典”与“当代新锐”等两个主板块。“传统经典”着重推出了史有定论的老一辈大师颜文樑、陈抱一、倪贻德、胡善余、吴冠中、苏天赐等人的佳作及靳尚谊、尚扬、陈钧德、罗中立、许江、韦尔申、徐芒耀、石冲等大批中国学院开拓者及中坚力量的精品。这些作品来源可靠传承有序，其中不少都有学术著录，在一定程度上反映了百年油画中国化的基本面貌与成就。“当代新锐”则推出了周春芽为首的四川画派和逐渐走向成熟的生于1960年代末、1970年代初的新锐画家：叶永青、郭晋、钟飙、何森、季大纯、尹朝阳、章剑、韦嘉、周伟华等人的力作，这些作品在很大程度上显示了中国改革开放二十多年来社会生活的变迁导致在架上绘画形式与审美观念新变化，代表了未来油画创作的主要方向。届时，藏家可在“最老的”与“最酷的”两大类作品的比较欣赏中约略察见中国油画发展的沧桑脉络及当前油画创作的动向。
油画专场整场120余件作品继续保持了朵云轩重作品学术素养及民族文化内涵的风格特征，值得大家进一步关注。
上海朵云轩2006年秋季艺术品拍卖会将于12月17日至20日在上海四季酒店举行。目前征件工作已经结束，正在进行紧张地图录编制及招商工作。网上预展将在精拍网（http://www.jingp.com/）、博艺网(http://www.boyie.com/)等多个网站同时推出。
颜文梁 早春 纸本油画 31*39.5cm 1960年代
正签：颜文樑 画印：樑 出版：《艺术当代》2006年第1期
颜文梁(1893—1990)，江苏苏州人。1910年在上海商务印书馆工作时，曾随日本画家学习水彩画，并自学油画。1919年创办美术画赛会，为全国性定期美术展览会。1922年与胡粹中朱士杰创办苏州美术专科学校，任校长。1928年至1931年就读于法国巴黎高等美术学院。1952年起任浙江美术学院副院长兼教授，中国美术家协会顾问及上海分会副主席。
主要参展与获奖纪录：法国国家沙龙画会（1929年）、颜文樑个展（1982年）、第六届全国美展（1984年）。曾获奖项：法国国家沙龙画会获荣誉奖、第六届全国美展获荣誉奖等。著作：《美术实用透视学》、《色彩琐谈》、《现代美术家颜文樑》。出版画册：《颜文樑油画小辑》、《颜文樑画集》等。
他作画从容不迫，一丝不苟，绝不以小略大，非常讲究步骤、画肌、笔法以及色彩冷暖、和谐，技法意识和态度的诚恳始终是他作画所主要遵循的原则。颜文樑的画早期较注重透视构图、调子也较为清冷，游欧之后，迷恋色彩，沉于技法之中，情调豁然开朗。此头一开，不可收拾，越到晚年，画风越是热烈绚丽，甚至到了一种孩提般的乐观程度。他说，画要让人看了开心。的确，他的画每幅都弥漫着大自然的清新空气，总是那么健康明快，没有半点郁闷阴沉的景致。从审美方式的流向来看，他的画是以一种渗透型方式作用于人的视觉和情绪，丝丝入扣，在缓慢温和的状态中征服你，就像他说的，画要“有看头”。——刘新
我的画虽然画得仔细，但不同于照相，每一细微处，都经过推敲。——颜文樑《谈自己的绘画风格》
颜文樑一生中的作品，几乎都未题签作画时间。今天我们仅能以画面描绘的景物，作品风格及画家的传记文献中推断其创作时间。
此作从画面风格来看，应为颜文樑创作盛期时一件难得的佳作。江南农村，早春的田野。严冬消褪，万物苏醒，草木吐绿，油菜花开，农民耕作，洋溢一派生机与希望。这些江南极为普通，似乎无法入画的景致在他的笔下显得如此的温馨、朴实，弥漫绵绵的乡情与爱意。
颜文樑父亲是海派名家任伯年的弟子，所以他幼年即受到传统的中国绘画的滋养，后来受日本画家影响转攻西画，进而又赴欧留学。由于他勤学多思，勇于实践，他很好结合中西方绘画的特点及自己性格特点创造出一种独特的绵密的写实画风，他的作品既有中国绘画的勾皴、点染又有西画堆砌摆贴的笔法，讲究中国的空灵韵致，又有西画之透视空间，光影质感与丰富色调。他是老一辈画家中在写实领域里将两种以我为主，融通中西之集大成者。
他的作品写实而不呆板，客观自然又不拘于物象，细节逼真却不呆腻，他重于将客观世界复杂的物象纳入一个严整有节奏的画面秩序当中，却不空洞，在概括中又富有耐人寻味的细节表现，在平静写实中又饱含着深情与浪漫的诗意。这幅作品色块的方圆对比，冷暖对比，鲜灰对比安排得非常有节奏，线条分割与穿插，汇聚轻松而果断，点的疏密变化错落而有韵致。行笔果断肯定轻松。铅笔线与色线的分割，加强了画面的秩序感和构成感，笔触间的留底使画面越发显得生动和透气。这些语言特点都显示出画家的画风已是相当的成熟自信，挥洒大度又不失严谨，客观写实中又蕴含表现的激情。在颜文樑的作品中，这幅尺幅很大，的确是件极为难得的佳作。
陈抱一 苏州河 布面油画 38*46cm
正签：Tchun 出版：《艺术当代》2006年第3期
陈抱一（1893—1945），广东新会人，生于上海。早年追随张聿光习画，1913年东渡日本，初入白马会洋画研究所，1914年、1915年间曾短期回国，1915年与乌始光、汪亚尘等组织东方画会，1916年再度赴日，先入川端画学校美术所师从著名西画家藤岛武二，后入东京美术学校。1921年毕业回国后，曾任神州女子学校美术专科主任、上海艺术师范专科学校西画主任、上海美术图画院（上海美专前身）教授等职。1925年与蔡元培、丁衍庸创办中华艺术大学，在上海宁波同乡会举办个人作品展。1929年创立晞阳美术院于江湾陈家花园的画室，与日本西画家秋田义一合作，致力于西画的研究工作一年余。1936年与徐悲鸿、潘玉良等组织默社。后受聘任世界书局图画编辑。1938年去香港旅行，并举办旅港画展。1939年与周碧初、关良、朱屺瞻等在上海大新公司画廊举办联合油画展。所作画构思丰富，技巧精熟，作风颇受欧洲后期印象派与新写实主义的影响，《良友》画报主编梁得所称其“作画色调感觉敏锐”。他积极主张改革西画教学方法，倡导旅行写生，受到当时西画界重视，出版有《抱一画集》、《油画基础》、《静物画研究》等。
陈抱一在江湾有一个远避闹市、豪华宽敞的江湾画室。从1921年盖起江湾画室到1932年被上海“一•二八”炮火所毁，10年间江湾画室在上海西画界一直有着特殊的吸引力，许多著名艺术家的青春风采都在这里有过浪漫的留影。这座类似印象画派画家莫奈晚年居住的日维尔尼花园的画室，与陈抱一那分悠然自得的少爷风度（当然不是那种纨绔子弟型的）和纯真优雅的艺术人生非常协调。这种养尊处优地迷醉于绘画的环境，对陈抱一的油画风格、情调乃至作画心态都有很大的影响。他画花卉、静物总是那么娇丽可人，用笔意气风发，讲究一种稳健的笔法之美，色彩明丽单纯。看他的画如睹其人，一派温文尔雅之态和自信洒脱的气度，毫无半点颓丧气息。中国早期留日的画家基本都有这种风格——痛快过瘾、单纯明快和意笔写就。——刘新
《苏州河乍浦路桥》从画面风格上看，应当是陈氏1920年代，自日本归国不久的作品。笔者曾见上海一旧藏家藏有刘海粟所作的《苏州河四川路桥》一幅，尺寸与《苏州河乍浦路桥》大致相同，是刘氏1920年代早期的典型风格，材质现状与《苏州河乍浦路桥》极其接近，极似出于同一时期。再从写生地点来看，二者的观察点都在苏州河南岸，处于乍浦桥与四川路桥之间的一个位置上，陈画视线朝东，而刘画朝西。因此，笔者推测，《苏州河乍浦路桥》的作画时间当在1921年至1925年间，时陈氏因在上海美专任教，与刘氏过从甚密，两件作品极可能是他们同时带学生外景写生的示范之作。——漆澜
注：此作系陈抱一原框，原裱，入画款。
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吴冠中 石村 木板油画 61*46cm 1976年
正签：荼七六
吴冠中，江苏省宜兴县（今宜兴市）人。1942年毕业于重庆国立艺术专科学校。1947年考取公费留学法国，在巴黎国立高等美术学院进修油画。1950年回国后，曾任教于中央美术学院、北京艺术学院、中央工艺美术学院（后随中央工艺美术学院并入清华大学美术学院）。曾先后在北京中国美术馆、香港艺术馆、台湾历史博物馆、新加坡国家博物馆、大英博物馆、美国底特律四家博物馆、巴黎塞纽齐博物馆等处举办个人画展数十次。国内外已出版画集和文集近百种。第六、七届全国政协委员，第八、九、十届全国政协常委。1990年获法国文化部文艺最高勋位，1993年获巴黎市勋章，2002年入选法兰西学士院终生通讯院士。2003年被中国文联授予金彩奖。终生探索中西艺术结合之路，迄今兼作油画与水墨画。
纵观吴冠中的油画创作，其1960年代写实画风趋于成熟，直至1970年代中期达到顶峰，之后开始逐渐走向抽象。
《石村》正是画家顶峰时期于山东崂山等地写生系列中的一幅。这幅暖调的作品构图上为了强调石坡伟岸陡峭，有意缩减天空与近景沙滩。整幅画洋溢着一种温暖的情绪。丰富的暖灰与天空的蓝溪水的绿色形成了和谐的对比。中景石头上的肌理苍劲有力，笔法丰富多姿。造型方面与交待空间层次线条有机地结合在一起，充分表达山石的体量感。远景的石墙线条的分割及近景小块石头的线条勾勒穿插具有很强的象征趣味，这一实一虚的对比手法更显出画家卓越的造型智能。点景的人物和灌木也给这峻峭，坚硬石山风景带来活泼的生机。
这件作品充分体现了吴冠中油画在写实中追求形式美，强化构成因素，突出点线面组合抽象节奏韵律美的特点，具有很强的典型性。
在这件即兴的风景写生中，画家并未被物象所拘，他善于从自然中发掘景色本质的气韵精神，充分表达自己对物象的感受，表现时直抒胸臆，大刀阔斧毫无拘碍，这一点很像传统的文人水墨写意，求神似意足，追求画面的趣味性。而在形式上皴擦、堆砌、勾勒、点染的笔法及气韵传达与传统水墨又颇多类似，色彩格调上的雅致、清新、明朗，也都是中国式的。吴冠中在自己的油画语言锻炼中非常成功地进行了民族化转换，他在中国油画民族化创新过程中树立了一座令人仰望的高峰。
苏天赐 天台山国清寺隋塔 布面油画 53*37cm 1979年
靳尚谊 女青年 布面油画 50*35cm 1977年
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尚扬 E地风景-32 布面油画 46*80cm 2006年
尚扬，四川人。1965年毕业于湖北艺术学院，1981年油画硕士研究生毕业。曾任湖北美术学院教授、副院长，华南师范大学美术研究所所长。中国油画展、中国油画年展、中国油画学会展评委。现为首都师范大学美术学院教授、首都师大现代艺术研究所所长、中国美术家协会油画艺术委员会委员、中国油画学会副主席。曾出版《尚扬画肖像》、《中国现代艺术品评丛书—尚扬》、《中国当代油画家自选集—尚扬作品选》、《中国当代油画名家—尚扬专辑》等。
主要参展与获奖纪录：作品参加全国历次重要学术性大展，曾获第六届全国美展优秀作品奖、湖北省六届美展金奖、首届中国油画年展荣誉奖、广州艺术双年展学术奖、首届当代艺术学术邀请展贡献奖。作品曾参加英国、法国、瑞士、德国、美国、加拿大、意大利、日本、澳大利亚、韩国、印度及港、澳、台地区举办的国际艺术展，并被中国美术馆、上海美术馆、香港大学美术博物馆、意大利雷维内皇宫青年博物馆、国外艺术机构及国内外私人收藏。
尚扬潜心于艺术语言的多元化尝试和精神层面的深度发掘，他的作品包含有顽强的前卫探索、坚实的艺术功力和醇厚的传统文化底蕴；既有精神的表达又具语言的魅力。其平面化的作品既保持了抽象性的内在张力，又不乏即兴式的轻松与幽默，乃至涂鸦艺术似的天真稚拙。疏密有度、节奏顿挫的黑、白、灰色彩的对比和运用，在典雅有致的视觉意象中，给人以率真写意的抒情意味，充满了一种中国的书卷气。那种原始、单纯、净化的美，升华出中国文人画式的洒脱、大气。我们从中不仅读到了画家哲学式的思辩、文化批判的勇气和精神的追求，也读到了他的艺术观及美学思考。由于尚扬艺术中所蕴涵的东方思维方式和表达方式，使其已具备了世界性的文化交流的意义。
罗中立 拥抱 布面油画 100*81cm 2003年
罗中立，重庆人，幼年在父亲影响下学画，1968年从四川美院附中毕业后主动到大巴山农村生活十年。1980年在四川美院学画，以超级写实主义作品《父亲》而一举成名，该作品以纪念碑式的宏伟构图，饱含深情地刻画出了中国农民的典型形象，深深的打动了无数中国人的心，也由此被誉为二十世纪八十年代中国画坛的一面旗帜。 1982年从四川美术学院油画系毕业，留校任教。1986年毕业于比利时安特卫普皇家美术学院，获硕士学位。现为中国美术家协会理事、四川美术学院院长。1986年在美国纽约哈夫纳画廊参加当代中国油画展，于1987年、1992年、1994年、1995年、1998年分别在比利时驻华大使馆、台湾新光美术馆、北京中国美术馆、比利时国家历史博物馆、台湾山美术馆举办个人画展。曾获第二届中国青年美展金奖、四川优秀作品奖。作品收藏于中国美术馆、比利时国家历史博物馆、台湾山美术馆。出版画册有《罗中立油画集》、《罗中立油画选》。
80年代中期之后直到最近，罗中立的画越来越偏离宏大的场面和庄重的气氛，趋向随意性、荒诞性，似乎从民间生活中得到的艺术灵感被更珍贵地保留了下来，不作艺术的修饰，不作理想化的处理，我把这种描绘称之为“赤裸裸的描绘生活的真实”。——王林（四川美术学院教授）
罗中立是乡村与城市的沟通者，他为我们敞开了至尽仍然封闭而不为人知的另一种社会生态景观。透过罗中立作品所反映出的乡村与城市的巨大的文化与物质的差异，我们在平淡的日常生活中，突然感受到一种巨大的时空错位，山民生活的极度原始、生动和强烈，都使我们对自身习以为常的城市生活产生一种新的眼光。——殷双喜（美术评论家）
10年前，艺术家关注的重点主要是祖祖辈辈农民的命运，带有社会反思的意向，他用画为农民呐喊、呼吁。10年后艺术家主要是在真切地留恋、咀嚼、回味农业文明所拥有的种种宝贵东西，是在欣赏、赞美民风、民俗、民性，从而向当代文明的种种缺失再次敲响了警世之钟。 ——陈孝信
韦尔申 午 布面油画 92*61cm 1993年
韦尔申， 哈尔滨人。1977年考入鲁迅美术学院油画系，毕业后留校任教。1985年考取本院研究生，毕业获硕士学位，此后一直从事教学工作。现为鲁迅美术学院院长、教授、辽宁省美术家协会副主席、中国油画学会常务理事。
主要参展与获奖纪录：作品曾多次参加国内外重要展览，曾在第六届全国美展中获铜奖、第七届全国美展获金奖、第八届全国美展获油画艺术奖、首届中国油画展获大奖、吴作人国际美术基金会颁发的青年奖。1993年参加中国美术批评家提名展。1993年获得有突出贡献奖，享受国务院专家特殊津贴。油画《我的冬天》、《吉祥蒙古》为中国美术馆收藏。作品曾在香港、新加坡、日本、美国以及欧洲等国家和地区展出。
韦尔申是东北新古典主义画家群中的代表。回顾自己的创作历程，他将其大致分为两个阶段：第一阶段开始于80年代中期，称为“蒙古时期”，题材集中于蒙古牧民形象，带有明显的对民族精神和宗教般的崇高感的敬意，人物则趋向样式主义的概括与泛化。为了实现自己的创作意图，他还对技法进行革新，使用了一种特殊的媒介剂，令蛋膫材料可以与色彩调和，使得画面色彩纯度提高，而且速干耐久；第二阶段开始于90年代初，为“守望者时间”，作品还被画家自称为“知识分子绘画”。人物形象更多样了，画面的符号性和观念性因素更加明显了，画家转向对当代人生存问题进行直接的追问，其精神的内涵也更为丰厚了。
东北油画整体上呈现厚重质朴、苍茫的气质，题材多涉及农村生活，朴实坚韧，气象庄严、辽阔，重视象征，造型概括有力度，有浓郁的乡土气息又不失浪漫情怀。
韦尔申的作品深沉内在，充满庄严神圣的忧思，有种浓重的宗教的情怀。他的作品人物形象，往往庄严肃穆，悲天悯人。在沉静中透出一股崇高气息，尤其是在蒙古民族生活的画面中，装束齐整牧民如纪念碑耸立在空旷的原野上，一种孤独与尊严充溢于天地间，他的作品肯定了人生命的价值，也表达了对大自然敬畏之心。
他的乡土绘画显现出一种高贵的气质。
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周春芽 山水精神 布面油画 100*80cm 1999年
周春芽，1982年毕业于四川美术学院。1988年毕业于德国卡塞尔综合大学自由艺术系。现居成都，任四川省美协副主席。
主要参展与获奖纪录：1987年周春芽作品展（德中友协，德国杜塞尔多夫），周春芽作品邀请展（Domach-Anhof文化中心，奥地利林茨）。1994年周春芽作品展（小雅画廊，中国台北）。1997年周春芽作品展（北庄画廊，中国台北）。2002年《绿狗》（3.14国际艺术中心，挪威），周春芽作品展（当代艺术博物馆，意大利特仑托）联展。1992年首届广州九十年代艺术双年展（中央大酒店展览中心，广州），1993—1997年“后八九中国新艺术”展（香港、英国等地巡展）。1994年中国批评家年度提名展（中国美术馆）。1996年上海美术双年展（上海美术馆）；1997年中国油画肖像艺术百年展（中国美术馆）。2000年二十世纪中国油画展（中国美术馆）。2001年新形象—中国当代绘画二十年展（北京、上海、成都、广州巡展）。2002年首届广州当代艺术三年展（广东美术馆）。2003年“你好，中国”中国当代艺术展（蓬皮杜艺术中心，法国巴黎），“六个面孔”中国当代艺术巡回展（波兰）。2004年周春芽、刘炜、郑在东新作展（上海）。2005年法国蒙特利埃市举办的“首届当代艺术双年展”。
虽然周春芽表示他十分喜欢植物和动物，因为他喜欢它们的纯洁，但我认为他实际上更加偏好较为人性化的主题。在这方面他的思想和中国传统一致。在古代文人的眼中，宏观世界是通过微观世界再现和放大的，而微观世界则是人的创造。——莫妮卡·德玛黛（意）
90年代初从德国留学回国后，周春芽创作了一批颇为怪异的中国风景。题为《红山石》和《上里印象》的两个系列的油画山水，将宋元古典山水的意象与西方绘画框式取景奇特地组合起来，具有了一种跨越人文地理与历史文化的超然气息，使人们犹如进入宇宙洪荒、天地苍茫的梦幻境界。——殷双喜
我在创作“山石”的时候，正在研究文人的山水画，我并没有像国画家那样在材质属性和图式形态上去理解，而是按照我的表现意图去寻找那些令我觉得陌生又能带来惊喜的东西。我在肌理和质感上花费了很大的功夫，近似于强迫症似的去捕捉和玩味那些潜藏在石头自然属性中的视觉因素，把这些东西强化，放大本就是形式，而视觉的呈现本就是内容，已经不需要你进行更多的解释和引申，这比我们的概念、方法出发所看到和理解到的石头更让人惊讶、震撼。——周春芽
“山水”这一意象是从中国传统绘画中引入的，而大写意的笔触和黑色泼彩更是从形式到气质上体现了周春芽对中国传统山水文化领悟。而斑驳参差的肌理及一抹莫名的暗含着暴力危险猩红色又将欣赏者的情绪从既往的审美经验中拽离出来，陷入一种不安的深思。这幅几乎完全抽象的“山石”作品，只有隐约的五角星形结构，在虚与实，黑与白，枯与湿的对比中呈现出纷繁的意象，体现了周春芽让“作品具有多重视觉属性”的追求。周春芽说“我的理想是动态的、敏感的表现而不是静态、模式化的呈现。我不仅仅追求形态本身的动态感，同时，更希望自己笔下的形象能在不同的文化背景、不同的媒材领域流动。”我想，《山水精神》一作无疑充分体现他的这一追求。
虽然古典文人笔下的石头形态吸引了周春芽，但他并不满足于那种温和、内向的方式。于是他想“借助这种典雅的形态去传达一种暴力甚至色情的意味”。借此来打破人们惯常的模式化的观看，期待给人以全新的审美感受，于是画家“以浓艳的红色涂抹在传统造型的中国山石中，并发挥了油画材质特性，以丰富的细节和肌理置换了传统笔墨柔淡纤弱的质地，以繁复错落的体积结构改变了文人绘画扁平的视觉特性，从色彩到构图均给人鬼魅奔放之感。”
周春芽对传统文人绘画“温和、内向、惰性”的局限，采取与之相对立的极为张扬方式来突破。这在他风格发展过程中有着极其重要的意义。所以画家认为这批“山石”作品，“在一定意义上，它是我绘画艺术在形态提炼和文化命题两方面的第一个标程。”由此看来，《山水精神》的价值不言而喻。
郭晋 小椅子No.7 布面油画 100*75cm 2002年
季大纯 魔笛 布面油画 110*110cm 2000年
尹朝阳 深蓝 布面油画 180*120cm 2005年
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汪亚尘 桥下 木版油画
38×54.5cm正签：亚尘 出版：《艺术当代》2006年第3期
汪亚尘(1894—1983)，中国现代画家、美术教育家。号云隐，浙江省杭州市人，幼喜图画书法。17岁中学毕业。18岁后离家赴上海，入乌始光、刘海粟等创办的上海图画美术院任教师。一年后辞去教职，与乌始光办华达公司，专为照相馆、戏院画大幅布景广告。1916年赴日本，翌年考入东京美术学校。1921年学成归国，受聘于上海美术专科学校，任西画教授，兼授理论课。此时期开始发表研究美术的文章。1928年底，赴法国学习。1931年底返国，在上海举办了旅欧作品展。不久，入新华艺术专科学校任教务长兼师范学校校长。他将旅欧节省的 1.4万元移借新华艺术专科学校，以买地、建校舍，并聘请王个簃、汪声远、张聿光、张善孖、陆一飞、顾坤伯、 周碧初、吴恒勤、姜丹书等为教师。1937年春，同朱屺瞻赴日本考察美术教育，拜访了横山大观，购买了一批图书与石膏像。抗日战争爆发后，他拒绝了日伪政权请他出面办学的邀请。1947年，汪亚尘赴美国考察美术，先后受邀于耶鲁大学、哈佛大学、哥伦比亚大学，执教暑期绘画班，教授花鸟鱼虫，介绍中国画。1975年，汪亚尘回国探亲。1980年7月，经由台湾、香港辗转回到上海。
汪亚尘早年留学日本接受的是日本画家藤岛武二印象主义画风教育。后来又于1929~1930年在欧洲主要在巴黎考察西方绘画两年。《都市之河畔》即为这其间作品。此作保持他的老师藤岛武二的一些影响，并非完全如莫奈，毕沙罗这样的法国画家比较忠实对客观自然光影的捕捉，而是以简洁明了造型来归纳自然景物，以直接书写的方式表达内心的情感。汪亚尘访欧其间曾多次临摹马奈与塞尚的作品。马奈作品中明丽的色彩及畅快的书写性吸引他，而汪亚尘认为：“塞尚的风景使读者有一种深刻的印象，他不像印象派画家捉住剎那，他所表现的是自然界恒久的力量，手法亦结实”。这些观点在《都市之河畔》中无疑得到明显的体现。“画家借自然的美，不拘任何现象，都能把他的感情传达出来，然而制作的时候，必须要有自己的感觉和自己纯洁的感情而来。我说的诚实表现，不是在画面与对象的相合，确是画面与作家的感觉的符合。”又谓“我们常常接近自然的人，不该把自己的情感被自然界吞没，当依自然的伟大融和自己的心灵，用诚实的观感来表白自我的伟大。绘画上除了这条大路之外，便没有别的。”
这些观点较好地佐证了汪亚尘以我为主，尊重自然，亦注重内心抒发的创作特点，因此他的作品渗透有较强的表现意识，画风果断凝练有力。其实他绘画思想与中国传统“外师造化，中得心源”的理论是不谋而合的。这类作品也见证了中国第一代油画家高超修养和艺术觉悟，他们是以一种极为自信的姿态来认识吸取西方艺术滋养的，这些历经战火纷乱的遗作，今天弥足珍贵。
倪贻德 杭州六合塔 1947年 布面油画
38.4×55.2cm 正签：Nyeti 47.3 出版：《艺术当代》2006年第3期
倪贻德（1901—1970），笔名尼特，浙江杭州人。1919年考入上海美术专科学校，毕业后留校任教。1927年留学日本，入东京川端绘画学校学画。1928年回国，在广州、武昌、上海等地从事美术教育，1932年与庞薰琴等人发起组织决澜社。1944年起任教于国立艺术专科学校，后历任中央美术学院华东分院副院长等职。
倪贻德是决澜社中第二位重要的创始人。他在1920年代就参加新文学团体创造社，并在文坛上崭露头角。1927年留学日本时，与王道源组织中国留日美术研究会，以促进中国的新美术运动，并且对日本和西方美术史和理论进行深入研究。回国后，译著了大量美术技法和理论著作，由他撰写的《决澜社宣言》充满了激情和豪气。
倪贻德与庞薰琹是“决谰社”画家中艺术修养最好、西画功底最深、对现代艺术的理解又较为透彻的两位画家。他在画风上主要接受的是马尔盖、德朗、弗拉芒克和塞尚的艺术教养，笔触坚定有力、粗枝大叶、体面分明、雄健泼辣，有较强的构成意味。倪贻德始终把“大家运笔、直起直落”的境界当作自己追求的目标，当然，他的才子气、书卷气使他的画多少也靠向中国绘画的韵味，自有一种风神潇洒的气度。倪贻德的绘画因素较纯，偏好即兴写生，注重语言的个性化，这使得他艺术更为纯情化，他的思想、气质是通过静物、肖像、风景体现出来的，而不是通过揭示社会的深层处来表现的。——刘新《中国油画百年图史》
这幅作品比较典型地反映倪贻德油画语言的风格：构图严谨，善于将复杂的景色归纳到有序几何结构中去，造型严整，用笔果断自信，痛快沉着，色彩明确不含糊。尤其是对于画面结构处理，有着塞尚式内在而稳固的力度。这也体现了画家一贯的艺术追求：不满足于对自然的摹写，对西方后印象主义现代派具有自由表现画风的吸收与运用。
唐大禧《海的女儿》 铜雕 120×40×30cm
展览: 全国建军五十周年美展 1977年
发表: 《中国美术馆藏品选集雕塑篇》第50页《中国文学》杂志 全国众多刊物杂志
唐大禧，广东人。国家一级美术师，历任广州雕塑院院长、名誉院长。现任中国美术家协会会员，中国雕塑学会理事，全国城市雕塑艺术委员会委员，广东省美术家协会副主席，广州市文化联合会委员副主席，广州市美术家协会主席。1964年创作雕塑《欧阳海》，曾作为长篇小说《欧阳海之歌》的封面、并在小学课本中作为插图。作品被广东美术馆，亚洲艺术基金会收藏。
1956年开始从事美术创作，在全国性刊物《美术》和《新观察》开始发表作品。1964年发表作品《欧阳海》、1974年《人民的苹果》及1977年《海的女儿》参加全国美展展出，均反响强烈，1979年创作《猛士》，引发了全国范围乃至境外华文报刊关于中国改革开放以及人体艺术问题的评点和广泛争论。1984年《新的空间》、1989年《创造太阳》分别获全国六届、七届美展铜质奖。上述作品均被中国美术馆、天津博物馆、上海博物馆、广东美术馆、广州雕塑公园、长春国际雕塑公园收藏。1985年作品《启明》、1986年作品《未来属于我》、1994年作品《文天祥》分别获全国首届、第二届城雕优秀奖。1996年创作广州雕塑公园作品《华夏柱》。2001年创作作品《红头船》。2003年创作抗击非典女英雄《叶欣》塑像。
唐大禧是一位非常有智慧的艺术家，他总是能很好地把握住时代的脉搏，创造出富有感染力的作品。唐大禧善于在多变的政治气候中找到“合理的结合点”，既为当时的社会所允许，又不违背艺术家的良心和艺术尺度。
从早期的成名作《欧阳海》到近年来的优秀作品《新的空间》、《创造太阳》等，唐大禧敏锐的观察力和深厚的艺术修养，帮助他一次又一次聚焦、酝酿、凝固于人性美、人情美、人格美。饱满而富于张力的雕塑语言是唐大禧雕塑艺术的外在表像，智慧、圆融、开放是唐大禧雕塑艺术的核心精神：智慧是天生禀赋与后天修养的结晶，圆融是通达力与美的巅峰境界，开放则意味着与时代同步的嬗变。
周春芽《花石》2001年 布面油画
62×68cm 正签：2001 周春芽 ZHOUCHUNYA
有学者将周春芽的作品归属为中国传统绘画在当代的转化成果。对此周春芽认为：如果不掩饰的话，我非常期望达到这样的境界，这样的评价太高了，我有些受宠若惊。了解我的人都知道，我是认真研究过中国传统绘画的，但我研究的出发点和观察角度与国画家不一样，他们关注的是图式的平面挪移，而我更在乎叙述的动态意味和敏感物质。对待中国画传统周春芽的态度是：比起掌握一条通往昨天的正确途径，我更宁愿开辟一条通往今天并适合自己的路。传统对于周春芽来说不是规定和限制，而是一种激发其创造的兴奋剂。周春芽一系列的花卉作品既不是学院式写生，也不是中国传统的花鸟文人画。而是他发自内心的一种意象的营造：花开纷乱而妖娆，摇曳着激情与魅惑。他的作品吸收中国传统绘画细腻敏感和神秘意味气质，并赋予它当代表现主义的充满力度的笔触、肌理和富有感染力的色彩。
此际他所欲传达的并非是一种草木欣盛的勃发生机，而是一种花开妖艳，丰盛得几近糜烂的意象。动态和激情的枝叶笔触穿行掩映在厚堆的白色石头肌理间，有一种说不出来的神秘意味。当代艺术所揭示呈现的美感绝不是传统意义上的那种优雅和温和，而是它在给人以审美享受的同时又伴随一阵神秘的刺激与不安。
苏天赐《暮春三月》1990年布面油画
100cm×65cm 正签：苏1990 背签：《暮春三月》 苏天赐1990.4
苏天赐，（1922—2006），广东阳江人。1943年求学于重庆国立艺专，师从林风眠先生。毕业后先后任教于广东省立艺专、杭州国立艺专、山东大学艺术系、无锡华东艺专和南京艺术学院，毕生致力于油画的教学、创作与研究，积极探索油画的创新之路。苏天赐大胆融会中国传统绘画元素，将中国画的写意笔法融入到了现代油画中，开创了具有中国气韵的油画表现风格，在油画界独树一帜。作为林风眠的高徒，苏天赐多年来致力于油画这一外来艺术品种在中国的落地生根，倾心于宏大的民族精神的表现，走出了一条极具民族特色的成功之路，也因此，他成了当代中国最具代表性的油画家之一。其代表作主要有《黑衣女像》《蓝衣女像》等，《黑衣女像》被中国美术馆收藏。
与西方风景画表现出的浪漫情调不同的是，苏天赐作品呈现往往是一个充满无限生机的气韵和意境，这成为苏天赐油画艺术的核心。气韵和意境是中国艺术所独有的。
我曾经读过一篇苏老为自己画册作的序，文中叙述他“爱画”是因为“爱看”，少年时他时常登上高处独自眺望远方的风景，让心灵在与大自然的交流中化解生活中的忧伤。也许从那时起他就寻觅到与自然交流，感应的法门。用心去碰触无限美丽广袤无边的大自然，领悟天人合一崇高的美学境界。我有幸去过苏老的家，南京，汤山风景秀丽的养龙山庄的一栋别墅。在这里苏老与大自然朝夕相处。南窗下就是一汪垂柳拂岸，山花满坡波光潋滟的湖水。二楼的北侧是苏老简朴明亮的工作室，大大小小的作品陈列满整个空间，养龙山庄的春夏秋冬阴晴明晦、雨雪风霜都在这里!在窗户中、在画布上，更在苏老的心里。
“……我有幸生活在能广泛交流的时代，我得益历代的——古的今的，东方的和西方的大师们的昭示和得益于自然的感受是一样的多。我看到有高翔的云雀，也有啼血的杜鹃，它们以各自的方式唱得撼人心灵，是因为他们的声音都是出于肺腑！
于是我在这个绘画的世界里看到一条永不枯竭的长河。它的波光折射出自然界的幻影，流动的却是人类的心灵，是人类的哀愁和欢乐。有时激越，有时沉凝。但绝无冷漠，他熠熠生光，奔腾回荡地与人类的生存同在。
唯愿投身于长流，不计浮沉，不舍昼夜，不绝滔滔！”
从这般苏老的自叙中，我们更能清晰地认识到他开放的艺术观，感受到他热爱艺术不懈求索的伟大心灵。他的作品，融汇古今中西最优秀文化传统以及自己的心灵对大自然的感悟。西方实体的色彩、肌理、塑造，中国的笔线、皴擦、色晕融合成一个博大而深厚的意境，洋溢着无限浪漫的生机与热情！苏老的作品没有停留在语言的形式技巧，拘泥于作品的样式风格。他的每一绘画语言与其所欲表达境界充分融合不分彼此的，这充分体现了中国绘画讲究笔墨气韵的特点，更重要的是他的确使用的是西方的绘画材料及语言，但创造出的却是东方艺术的崇高意境。他以一个中国艺术家的身份拓展的西方油画语言的表现力，创造了具有典型的既有中国民族文化特征又不失油画语言品性的油画艺术，这种贡献与影响在世界美术史上是不可忽略的。如果说林风眠是在水墨领域，在以西方绘画拓展了中国水墨的表现力，创造了一个艺术高峰，那么他的学生吴冠中、苏天赐则是在油画领域，以中国传统绘画拓展西方油画的表现力，创造了中国民族油画另外两座高峰。
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